《向左走，向右走》：緣分、寂寞與信念

在以整個亞洲為市場導向的前提下，《向左走，向右走》的選角顯得格外突出，除了金城武與梁詠琪的亞洲高知名度，新加坡的陳之財與台灣的關穎的演出也絲毫不遜色，突出與誇張的演出甚至比男女主角還搶眼；前段幽默詼諧的劇情令人捧腹大笑，後段男女情愛的擦肩錯過，又讓人感嘆命運的捉弄，實在不能不佩服編劇改編的功力，在杜琪峰與韋家輝對影片精準節奏的拿捏下，《向左走，向右走》的確有著娛樂的效果，也兼具了喚起觀眾愛情記憶的成分，在歡笑與淚水之外，更難得的是，突顯了都市中一股孤寂疏離的氛圍。



選擇台北為此片拍攝的地點，在以全亞洲的觀眾為訴求下實在沒有多大的意涵，甚至在台北之外的其他台灣角落，在不清楚台北地緣關係，也不會去質疑華納威秀與西門町之間的距離，更遑論其對於台北的印象。片中的台北城在精心設計之下，呈現了豐富的層次感，更將擁塞的街道、雜亂的公園，拍成夢幻似的光景；男女主角的巧遇邂逅，令人感到甜蜜歡欣，回憶裡青澀的青春戀曲上演著，所有人不禁替過去的遺憾與錯失惋惜，然而就在此時，大雨傾盆，又一次命運的捉弄，拆散了他們的相會。



「人生總有許多意外，握在手裡的風箏也會突然斷了線…」也是借由不斷鋪陳，才能更顯重逢的珍貴與難得。看看男女配角的來電配對，再回顧男女主角的悲情遭遇，明顯的成為對比；但其實他們也都沒什麼朋友，因為彼此之間的孤寂，在離別時的一通電話才能成為兩人相遇的契機，繁忙都市中的快節奏，是否漸漸沖遠了人與人之間的距離，彷彿片中的孤單男女，只能在這個熟悉又陌生的都市中，無助的尋找一個陌生又熟悉的身影，在街頭嘶喊著對方的名字，渴望著對方的出現。



《向左走，向右走》中的「緣」調皮的捉弄了男女主角，也因為彼此對情愛的堅持信念，終於有情人終成眷屬，而片末誇張的結尾使得先前打造出的浪漫氣息盡失，雖是想突顯「愛」的偉大力量，可惜略帶荒謬，破壞了整片氣氛的一致性；看著螢幕上的男女積極尋找彼此，發現彼此如此靠近卻又只能無力的失落而回，當我們為此際遇感嘆惋惜的同時，應該發現在現實中又何嘗不是如此，身旁的每一個親人、朋友、戀人的相遇，都是極小機率交集下的結果。就像片中波蘭女詩人辛波絲卡的詩：「他們彼此深信，是瞬間迸發的熱情讓他們相遇，這樣的確定是美麗的，但變幻無常更為美麗…」很多人覺得愛情故事不就如此，失去了曾對愛情的瘋狂與堅持，也許經由《向左走，向右走》，會喚起曾經歡笑，曾經失落，現今想起會微微一笑的愛情故事。



(P.S 此文寫於2003年11月7日)

《殺人計畫》：檢視人性的最底層

其實很難得看到這樣的國片，台灣極少有以青少年生活為主的電影，疏離、長鏡頭幾乎成為觀眾內心抵定的國片印象，《殺人計畫》卻實是顛覆了此觀念。瞿友寧導演在首部劇情片《假面超人》失利後，轉向電視發展，成功的偶像劇《薔薇之戀》打響了名號，在《殺人計畫》裡則更可見其細膩描繪情感、力求剖析人性的力道。



青春少女總帶有一種無憂天真的特質，但有時卻也令人難以捉摸。原本無話不談的好友，卻也能在一夕之間成為陌生人。導演帶著我們進入珍與晴的生活，一同經歷事件，見證彼此間的友誼，又赤裸裸讓我們窺見人性忌妒的原罪。一種淡淡的、極為細膩敏銳的情感，也在不斷的鋪陳中顯現，隨著友誼的漸漸變質，兩人漸行漸遠，對於片中主角，我們難過卻無能為力；而忌妒的力量竟然如此大，大到可以成為殺人的動機，開始醞釀殺人計畫；導演利用邪惡的想像搭配著繪畫，表現出冷漠與心死。隨著劇情發展，究竟珍的殺人計畫會怎樣進行？這也是此片最驚人、最足以令人窒息的一段發展。



影片的前半段甜蜜有趣，後半段影像利用許多攝影技巧給人壓迫、驚悚，兩種風格迥異，加上拍攝地點是老舊的寶藏巖建築，易捕捉幽暗的氣息，而所營造的氣氛也確實成功。許多似夢仿真的片段穿插，好似成為主角心靈上的救贖，流浪漢對於即將拆毀的建築物，也帶有一絲難捨的情感，就如同觀者對於整個故事劇情，難捨卻又必須接受這殘酷的事實。



《殺人計畫》紀錄下了最真實的片刻，而這是每個人熟知卻不願提起的，虛偽、偽善的面容充斥，人心的的真實也漸漸被掩蓋。觀看此片所引發的感動，帶領觀眾重新檢視過往，居然也可以成為一種寄情贖罪，重新面對心底深處所不敢不願面對的往事。在成長的記憶中也曾有過這樣的摯友，就如同珍與晴一般形影不離，而後卻發生了一些誤會，成為一種內心深處的疙瘩。過去的已無法改變，或許敞開心胸，勇敢的面對過往，大步向前走，會有另一番嶄新的視野。



(P.S 此文寫於2003年12月4日)

《島國殺人紀事》：到底誰殺了人？

「冤旺阿！」陣陣淒厲的嘶喊聲，穿刺了每個人的心。

台灣電影的內憂外患

國內市場的危機(內憂)
1.政府態度：
爭議不停的「輔導金政策」問題，引起電影業者的關注，此政策廢除與否將影響業者是否願意繼續支持國內導演的創作，或者新生代導演的投入。輔導金十年前設立，目的是輔導優良影片。不過，在官方、民間都拿不出救國片的對策下，輔導金竟淪為台灣電影最重要的拍片資金，新聞局反成了「全國最大片商」；輔導金愈輔愈倒的爭議不斷出現，但有鑒於輔導金電影幾乎是台灣電影目前四分之三的產量，新聞局不敢輕言廢止。

輔導金的評價不一，政府機關的態度也跟著不明確。在政策無法有效保護國片產業的狀況下，使得業者對於投資電影的意願保守。政府可以給予台灣電影工業的支持，主要為財力補助及政策保護。而在國片製作的輔導金方面，它主要有三個目的：
i.鼓勵業者拍攝優良國片
ii.提升國內製片環境
iii.提高電影片製作水準

新聞局對於輔導金申請資格的認定有以下主要內容：主要工作人員如導演、製片、編劇、以及男女主角…等，必須是為台灣本地的電影工作者，而且必須按照合約，在一定之期限內開拍及殺青…等。符合以上條件者，在提出企劃書及劇本等相關文件之後，由新聞局聘請學者專家及一些有關人員〈電影行政人員、電影工作者、業者〉組成評審委員會，加以審核評比。名單一但公布後，新聞局就會按照之前約定的進度，透過分四期的方式把輔導金撥給申請者。

輔導金的產生，原本是政府希望能給充滿危機的台灣電影工業一點幫助，另一方面也希望台灣電影工業部要將人力及資金投資到台灣以外的地方，因而放棄台灣本地的電影工業。可是就大家所知道，輔導金由原本的「政府掛帥」逐漸地走到由「業者主導」的地步，往往由幾位具有財力及勢力背景的片商來主導輔導金的發放。因此對於好不容易才能拿到輔導金的新導演而言，因為沒有把握下次是否有機會再拿到輔導金，自然會盡全力去拍出能夠拿到國外參展的作品，藉此來累積自己的名氣。而這就是輔導金所產生的另一個問題，等於是變相鼓勵導演將作品拿到國外去參展，雖然透過這種方式可以讓台灣跨足國際舞台，可是當大家都只為了參加國際影展而拍片時，誰還會為了台灣的一般觀眾來拍片呢？「冰凍三尺，非一日之寒。」台灣電影工業的危機並不是一天所造成的。

2.資金問題：
片商大都會投資偏向商業化的電影。因為長期以來，國片已經在觀眾的心裡產生一種印象，就是國片大多會拍出一些故弄玄虛讓人無法理解的內容。因為如此，觀眾不願意盡戲院看國片。片商也了解這點，所以要他們來投資國片得意願並不高，因為投資的最主要目的是要獲利。國片本身獲利不高，不只國內片商投資意願低落，也甚少外資願意冒險投入，甚至於連要跟銀行貸款也不是一見容易的事。於是電影業者缺乏有力的資金支持，沒有足夠資金就無法在影片拍攝內容或宣傳方面多做改善。

3.通路問題：
就市場經濟而學言，電影應該有越多人看越好，因為固定成本(如戲院經營、放映費…等)不變，人越多成本回收更快、利潤更高。但是由於國片市場的萎靡，每次進場觀看國片的觀眾人數寥寥可數，「在商言商」，經營戲院的業者為維持生存，不得不將放映的檔期縮短，使得國片往往都只上映幾天就匆匆下檔，有時某些片子還只在固定的地區放映，例如北部就選擇台北，中部就選擇台中，南部就選擇高雄或者是台南…等。而選擇票房較佳的外語片，就成為經營戲院業者的不二選擇，也因為如此，外語片擠壓國片的放映檔期，讓觀眾覺得看國片沒有價值感，看完不到幾天就下映，然後就可以在影帶出租店租到，導致觀眾花錢進電影院觀賞國片的意願降低，使得國片失去放映的通路，也讓台灣觀眾逐漸減少接觸國片的機會。再加上歐美的大型影城陸續登台，本地戲院的經營要在美商發行公司的發片中獲取利潤，已經非常困難，更遑論上映國片。

4.宣傳手法：
一部電影的產生到上映，要如何讓觀眾得到有關這部電影的上映日期及其主要內容，在這方面可能須要透過一些宣傳的方式，可是國內電影業者在這方面的能力卻是最薄弱。一些被評為相當值得一看的影片，經常是因為宣傳做的不好，進而變成叫好不叫座。如果無法將影片宣傳出去，觀眾無法得知影片的訊息，那要如何叫觀眾買票進場呢？國內電影業者的宣傳方法不夠專業，而且缺乏一套有系統的行銷策略及宣傳團隊。可是國內電影業者也有力不從心的時候，有時候能完成一部影片已經是一件不容易的事了，如果還要花大錢去宣傳這部影片，對於國內電影業者來說可能是一個很大的負擔，所以經常會利用一些成本較小的方式來宣傳影片，但是所得到的效果並不大。

5.影片內容：
就影片內容而言，可分為商業及藝術兩種。台灣的商業電影多年來持續低迷，但是在藝術電影方面卻是人才輩出，他們在政府電影輔導金的支持下取得拍片的機會，而在作品完成後又紛紛成為國際影展邀約的對象。也因為如此，造成國片導演拍攝手法個人主義濃厚、題材傾向藝術風格及意識型態。以目前的市場狀況而言，觀眾所需要的是一部能夠在面對日常生活壓力之下，讓他們可以得到解放、紓解壓力的影片。可是依目前的票房市場反應，似乎顯示出無法滿足消費者的娛樂需求。


國內市場的危機(外患)

台灣加入WTO後，電影工業無論在產製、映演、發行都受到全球化浪潮強烈衝擊。政府為配合開放市場、公平交易的要求，對影視服務業的承諾部份為開放錄影帶／碟片、電影片發行之服務業（取消進口電影片拷貝之關稅），及開放電影映演服務業（取消外國電影片拷貝數量、電影片映演廳數之限制）。加上國片長久以來在美國好萊塢電影工業步步進逼下，市場佔有率節節衰退。而電影又身兼文化與商品雙重角色，在綜合藝術中位居最高位階，其內容含有豐厚的文化概念與社會內涵，是保存與傳承思想文化的重要工具。而且國片業者受到強大的外國影視工業的傾銷壓制，以及面對不公平的競爭環境…等，又有未盡周延且過時的法規牽絆，急須要政府由政策鬆綁給予實質的協助。

總而言之，加入WTO後，政府應明確地擬定針對電影工業輔導、獎勵、振興的政策。政府若不再嚴肅地面對問題，謀求解決之道，電影文化如果不妥慎保護，任由歐美強勢的文化入侵，不但原本依靠電影產業維生，懷抱創作理想的人將在台灣消失殆盡，使得往後消費者無論在電影院或家裡所收看的電影都勢必充斥西方社會價值觀，而漸漸地失去固有的文化內涵。其影響所及，不可不慮。

1.資金問題：
片商大都投資偏向商業化的電影，國片本身獲利不高，不只國內片商投資意願低落，也甚少外資願意冒險投入，於是電影業者缺乏有力的資金支持，沒有足夠預算就無法在影片拍攝或宣傳方面多做改善。

2.影片內容：
台灣導演拍攝手法個人風格濃厚、題材傾向藝術風格及意識型態，以目前的消費市場而言，似乎較無法滿足消費者的娛樂需求。外語片大手筆的投資在題材創新，相對比較下，消費者往往在一念之間就放棄選擇國片。

3.通路問題：
台灣的電影工業，上自電影公司、下到戲院，莫不被好萊塢大型電影工業掌控，市場上每年都有超過九五％的好萊塢片，放映業者為求生存不得不選擇放映票房較佳的外語片，也早與美商八大電影公司簽約排檔，國片要擠進戲院放映相當困難，而國片失去行銷通路，也讓消費者減少接觸國片的機會。

4.宣傳手法：
國內宣傳方法大多不夠專業，缺乏一套有系統的行銷策略，再加上沒有足夠資金可以進行各種宣傳活動，於是一部國片產品在沒有任何專業的行銷包裝下，被赤裸裸地丟入市場中，結果當然是被已哄抬聲勢的外語片深深痛擊。

外患是針對台灣加入WTO後，政府為配合開放市場、公平交易的要求，將全面開放外片，目前國片對於外語片的抵抗能力已經薄弱，在面對外語片的衝擊下，國片市場競爭力將再度大受考驗。

(P.S 此文寫於2003年5月)

《美麗時光》：「道路‧真理‧生命」與張作驥式暴力

承《黑暗之光》，張作驥式魔幻寫實再現。跟前兩部作品比較，《美麗時光》多了一份平易近人的氣息，而故事主角也都是社會中的小人物。



《美麗時光》敘述兩個莽撞少年步入黑社會，一段青春莽撞的都市冒險。



片中不時出現「道路‧真理‧生命」，直到最後我才了解這句話的意義；同樣情節又再現，唯一不同的是逃跑的方向換了，然而結局卻還是相同的。小偉與阿傑還是犯了同樣的錯，同樣的莽撞，同樣的血氣方剛，而終也造就了同樣的悲劇。對於結局，兩人在水中漫游，快樂的表情也象徵著得到了解脫，勇於面對自己所選擇的路。



張作驥的電影總是有著暴力，不論是肢體的或言語的，但對於殘忍的結局他總是用魔幻的方式表達，留給觀眾更多的想像。



《美麗時光》中也許肢體暴力較少，不過言語上的暴力可一點也少不了，在《黑暗之光》中，張作驥本想帶給觀眾更大的感官刺激，打算在片末添增更多的血腥與暴力(范植偉身上插刀)，但又怕造成反效果，於是保守了一點。



《美麗時光》中的暴力包括打架、槍擊，但最厲害的則是言語暴力，幾乎三句話就包括了一句髒話，強迫性的讓觀眾接受，而我在觀看此片時觀察到一個特別現象，觀眾的笑聲通常都是出自於螢幕上的髒話，雖然利用這樣的言語暴力可以增強片中主角的個性及草根性，但對於企圖進軍國際的電影而言，過多的髒話也許令人適得其反。



《美麗時光》的重點不在於暴力，在於追尋實質的生命意義，本文只是就其暴力淺談，提供不同的觀影觀點。



P.S 對於《黑暗之光》片末原本的血腥，可以參考「電影欣賞」雜誌對張作驥的專訪。



(此文寫於2003年8月5日)

《天使》：I am not what you want

《天使》是香港獨立製片導演洪榮傑的第二部敘事短片，其所隸屬的「影意志」公司，則是從1997年成立，一直致力於推動香港獨立製片的發展，希望透過各種媒體管道，將這些香港獨立電影介紹給觀眾或是推向國際、參加各種影展。而《天使》也在世界各大國際影展中曝光與獲獎。







《天使》講述著對於自我的追尋與成長，不論是在性向或是人生，Ricky因為自己的性取向而被家
人逐出家門，暫居於朋友Mark的家。兩位少年居住在同一屋簷下，竟產生了預料不到的火花。片中的情節真正的貼近生活，絲毫不像其他同志電影般的沉重與嚴肅，一切就是如此自然，沒有誇張的表演型態，也沒有突兀的劇情穿插，最難得的是，看不到對於性別認同所產生侷限性的觀點。導演利用簡潔精確的剪接，營造出青春的浪漫與活力，許多前衛實驗性的手法，更讓觀眾進入主角心境，檢視著自身曾對於同志的誤解與歧視，片中充滿著許許多多的暗喻諷刺，不論是家庭對於Ricky的驅逐，購買成人雜誌時的偷偷摸摸，或是如何吃缽仔糕的方式，都冷冷的去嘲諷無法包容接納其他事物的保守社會傳統規範，而其實看待所有的事物，並沒有所謂「正確」的觀點，就如同「愛」一樣，是劃破所有界線與障礙，更同時也是無性別之分的。我們常常不自覺的被主流社會所影響，盲從、侷限，屈就於社會造就出的強大壓力，使我們喪失了自我發展的可能，更無法開創屬於自己的未來。此片的英文片名：「I am not what you want」正確切的傳達這個理念。



《天使》片中，充斥著大量的愛情、歌曲與正面的訊息，從影片裡看不到相較於其他同志電影中對於生理或是肉慾的描寫，而是一種自然簡單，清清淡淡屬於兩人的美麗愛情。在自我性向的追尋過程之中，無見他人的冷言嘲諷，取而帶之的是鼓勵與支持。對於異性戀者平時不以為然、天生的權利，對於同性戀者來說，卻是罕有與被剝奪的。影片中主角情感流露最自然的那一刻，不只是同性戀者所渴望的，也正是每個人夢想中屬於兩人的甜蜜。另外也隻字不提「基」(同性戀)的字眼，目的就在強調同性戀其實也是一件再平常不過的事了，既然在自然不過，又何必去強調與區分異性戀與同性戀的差別呢？



我們明明不是天使，卻每個人都努力追求著頭戴光圈，背有翅膀，有著天真無邪的笑容的天使，但也許慕然回首，開懷大步走，每個人也總能找到屬於自己的守護天使。



(此文寫於2003年10月6日)

我的「新天堂樂園」

《新天堂樂園》，一部對我而言意義重大的電影。



我考上了研究所，一路辛苦的走來，達到了現階段的目標，再一次檢視我的記憶，《新天堂樂園》又浮現了，感動再次湧上心頭，然而這次除了感動之外，卻增添了好多「愁」。



「友情」與「回憶」是《新天堂樂園》的兩大重點，也是最令我感動的兩大元素。



在求學的過程裡，結交了一群死黨，這群朋友共約十人，從國中至今聯絡從來沒斷過，友情是如何根深蒂固的，我想也不用多提了，每次跟朋友提到他們，不僅對方投以羨慕的眼神，自己也因為有這群朋友而感到驕傲。現在死黨們必須各分東西，有的繼續唸書，有的從軍報國，有的出國深造，實在萬般捨不得，平常的我們嘻嘻哈哈，不輕易顯露感性的一面，大概也是一種男性的另類矜持吧！



我一直想到《新天堂樂園》裡的一段戲，老放映師激動的跟主角說悄悄話：「要是沒有成功，你就不要回來，永遠不要回來！」



大學一段極渾沌的經歷後，我自以為我找到了自己的方向，我不確定是對是錯，我只知道這是我所想要的，而且我也很努力的去達到了目標。對於我的週遭的朋友們，我也好希望他們找到自己的方向，我知道某些人有自己的想法，但是顧慮太多，沒有勇氣放手一博，有時候就是需要一種很莫名卻又不知從哪冒出來的動力吧！



我想要鼓勵大家，但卻受制於我的文字表達能力，我一直認為，最好的情感交流，不是在於形式，而是在於心靈無形的默契，就像默片一樣，能用「意會」表達感情。有些事情，講的太明白，反而不美了。



我找到了我的新天堂樂園，你呢？



(此文寫於2003年6月8日)

《麥兜故事》：單純即是幸福

挾著安錫動畫影展最佳影片的氣勢，台灣片商終於肯引進《麥兜故事》，在第二屆高雄電影節(2002年10月28日)與2002金馬影展期間是麥兜故事在台的初次亮相，我也是在當時觀賞的，當時因為影展趕場，整個人都快累垮了，一大早起體力難免不支，在觀賞某些電影時雖然萬般不願意，但也抵擋不住周公誘惑，只好閉眼養神，然而對於即將播映的《麥兜故事》，也是全然毫無頭緒，但此片卻讓我驚喜萬分！我依稀記得我初看此片所獲得的感動，直接且震撼，幽默而感人.....



《麥兜故事》前半段，運用語言特色與絕妙的心境表現，讓人覺得輕鬆幽默，再搭配香港文化，令所有人不禁發出會心的一笑。後半段則強調母子之間的感情與人生際遇，的確，單純即是幸福。



《麥兜故事》敘述著香港的變遷與每個父母的心態，單親媽媽(麥太)望子成龍，一切的平凡在母親的眼裡都是獨一無二的，媽媽允諾麥兜的要求，帶他到夢想之地旅行，期待兒子成才而四處尋求可能成大器的管道與途徑，東試西試，也讓兩人母子感情更加堅固。麥兜簡單的一句話「媽媽，我愛你。」在我聽來好甜好甜。在現代社會人人不肯表達內心感覺，不能坦承面對自己的情形下，這樣的一句話顯得格外動聽.....



《麥兜故事》利用可愛的動畫，2D搭配3D，將經典名曲改編成片中插曲，故事講的不是沉重的議題，而是每個人都會經歷過的事。



樸實單純的麥兜，不僅僅象徵著香港人，也是你、我、他任何一人內心的縮影，就如同麥兜個性一般，動畫麥兜故事不讓人眼花撩亂，單純的讓人感動與歡笑。小小的麥兜，大大的不凡...



P.S 安錫動畫影展是全世界最大的動畫展。



(後記)

我仍記得大學電影社時期，其中一次的電影欣賞就是欣賞此部影片，當時觀眾與電影的互動極強烈，對於辦活動的人來說，感到非常溫暖，那個溫暖就足以讓我喘過氣來，繼續走下去...



《這是麥兜故事最後的一段，很有意思的一段，跟大家分享。》



天很藍，麥兜跑向大海，說：

「 是的，我就是大個佬麥兜，肥，算大力，

麻麻的可以，負家產，腳瓜是真的大 ,

比一節瓜還要大，腳瓜上的肌肉非常的結實，

青筋一條條凸出來，似鋼筋

至於腳指甲，

有次我無無聊聊真的量了一下，

足足有一吋厚，

是的，故事講完了

這是一個嘗試...失敗...嘗試...

好多包，卻沒有包保成功的故事...

故事說了一輪...

什麼都沒有？也不是...

就是大了雙腳瓜，

可是揀一雙腳瓜站在這兒...

當浪打過來，那感覺還真不錯。

你知道我麻麻口力佬，

(p.s."口力"是一個字喔)

不懂得...替自己的故事加點教訓呀錦囊呀那些，

可是，浸一雙腳瓜站在水中，

當風吹向我的腦，我會想...

如果媽媽看見我這個大腳瓜...

我猜...她會好開心...」



P.S 我真的很喜愛這部動畫

感謝pupu小姐幫我抄下這段對白。



(此文寫於2003年8月13日)

國片市場觀察的八個建議出路

前言：
你有多久沒進戲院看過台灣電影了？
也許，它需要你的幫助！

1.「合縱連橫」：

簡單的說就是跨國投資，也就是的「外國投資」與「華人電影圈合作」，現今亞洲地區不光是台灣，香港、大陸、泰國等都採用這樣的方式，而在「臥虎藏龍」揚名國際之後，開啟了外商投資之路，「雙瞳」便是一個很成功的例子，雖然沒有正統的國片血統，不過票房卻在大台北破了四千萬大關，目前的例子可能包括李安的「臥虎藏龍」（美資）、楊德昌的「一一」（日資）、侯孝賢的「海上花」（日資）、蔡明亮的「你那邊幾點」（法資）、陳國富的「雙瞳」（美資）。另外值得一提的是「臥」片與「雙瞳」的生產模式不同，「雙瞳」接近承包，而「臥」片則是自己先籌資，而後將代理權銷售出去，張藝謀導演的「英雄」與徐立功導演的「夜奔」，都是成功結合華人影圈菁英合作而成，但在越來越多這樣的跨國製作方式產生下，也許可能成就一種變相的好萊塢現象，但是這樣的趨勢所造就出來的票房成績卻是無法質疑(雙瞳、見鬼、三更等亞洲片可為例)。

2.「大明星的誕生」：

簡單的說，就是「明星制度」，電影剛剛興起的時代，在螢幕上並不會打上演員的名字，演員只能聽從片廠，無法享有自己的合約與擇片自由權。時代演進至今，產生了不少的全球知名影星，而只要是他們主演的電影，都是以他們明星魅力為號招，台灣目前正缺乏這樣魅力的影星。「搖滾本事」是紀錄台灣知名樂團五月天的生活，而此紀錄片一上院線，馬上就有許多死忠歌迷掏出荷包觀賞，成本低，績效高。若是可以，台灣電影可以考慮拋棄以往的沉重類型，找個商業題材來拍，而演員方面最好請當紅明星，如F4來刺激票房，也許可能造就國片的另一種生氣與現象。

3.「政策的保護」：

政策的保護只能從政府方面下手，在國內環境已經不佳，若政府又不採取得宜策略保護電影工業，加入WTO之後居然開放拷貝數與上映廳數，「哈力波特2」拷貝數居然到達139，無疑是想宣佈台灣電影已死，在電影被政府部門踢來踢去，本來隸屬新聞局掌管，後來又被歸到文建會，政府必須以優惠稅法利誘企業財團對於電影做出投資，如此一來才能解決資金問題。政府若沒有一個好的想法與政策，光光出資，靠一個輔導金是不夠的，必須真正要有心經營，國內電影才有望與韓國、新加坡看齊。

4.「電影商品的多元化」：

就是將電影與產品結合，促使商品化。仿效國外的許多商業大片，在電影推出得到好的迴響之後，往往會與產品結合，推出印有電影圖樣的日常用品、小玩具、明信片、海報、電影原聲帶…等等。與產品結合不僅可以達到宣傳電影的效果，更可以為電影本身謀取更多除了戲院方面的收入，可謂一舉倆得。

5.「低價促銷」：

院線片通常票價在200到250之間，讓觀眾肯掏錢去看的大部分都是好萊塢的電影，國片在這’方面根本不能對抗，在上映管道不足的情形下，最好的辦法就是薄利多銷，若電影本身是能對觀眾產生共鳴的，在口耳相傳與票價低廉的情形下，肯定會對電影工業有實質上的幫助，「藍色大門」與「你那邊幾點」就是很好的例子，當時去戲院看票價只要190，校園巡迴與預售票也只要150，這都是成功的原因之一。

6.「提昇電影文化」：

南北電影文化差距造成對於國片認知上的落差，為什麼這樣講呢？看看國內，哪一片不是以北部為首要據點，首映一定是在台北，不僅僅是國片，就連片商引進的非好萊塢外語片，大都也都只在台北上映。蔡明亮、張作驥是藉由環島輪流的方式介紹他們的作品，而行程則是由北到南，在這樣的情形下，南部的觀眾常有不平之聲，甚至造成對於國片的誤解，不僅僅是心理上的不平衡，也有些人認為國片根本無法在南部見到。在電影業者搶攻大台北市場的同時，卻忽略了更廣大的南部觀眾群，個人認為電影業者對於觀眾群的鎖定，必須要能顧及更多方的考量。而台灣電影在國際間經常得獎，而消費者心理卻想的是得獎的電影我根本看不懂，也提不起興趣去看。台灣的電影不是不好，而是藝術性質過高，以至於曲高和寡。提昇電影文化的措施目前已有動作，新竹有影像博物館，高雄新蓋好的電影圖書館，台北與台中也紛紛有專門的藝術電影放映戲院，使得觀眾有更多的管道可以接觸到國片，自身的觀影能力提高之後，有可能對於國片會有另外一番的看法。

7.「與觀眾友好」：

與觀眾友好的意思有二，第一是走入群眾間，即導演或演員在映演自身電影的時候，能夠到場與觀眾面對面的討論，如此一來，不僅觀眾高興，電影工作者也能更了解觀眾的心聲；第二則是題材類型，冗長沉重的電影已不受到觀眾的喜愛，好萊塢電影大舉入侵，觀眾的胃口也被越養越大，快節奏，敘事誇張化的風格普遍受到歡迎，國片必須能夠製作與觀眾產生共鳴的電影，藉此降低門檻，吸引消費者。

8.「垂直整合」：

製片、發行、映演為電影生產三部曲，而台灣電影在製作完畢之後，往往必須排檔上映，有些影片要是排不上檔期，甚至永無見光之日。在這樣的崩壞體制之下，國片要在台上映，往往會先到幾個大影展參展，露露臉、打打知名度，也趁機作免費的宣傳廣告，要是得了大獎，也就揚名世界。所以大部分國片都是外國人先看完了，接著才輪到台灣的觀眾們，國片居然不是給國人先觀賞，這真是極大的諷刺。而美商戲院環繞，華納威秀、國賓影城、UCI派拉蒙影城，這三家外商戲院紛紛以氣派、享受、舒適等口號招攬顧客，看看這些戲院所上映的影片，清一色不外乎是美商好萊塢所發行的影片，正是台灣電影目前所面的大敵，而在強力宣傳廣告之與年輕世代消費能力的增加之下，這些影城往往高朋滿座。如此一來養大了消費者的胃口，好萊塢商業鉅片一直來，國片卻苦苦無法排上檔。
台北光點的成立有著領導帶動的意味，但僅只台北，台灣電影工業必須建立起一套完整的垂直整合制度，才能改善目前困境。

P.S 希望大家手牽手以行動支持國片！
台灣電影加油！

(此文寫於2003年7月27日)

《像鷄毛一樣飛》：你想飛去哪

《像鷄毛一樣飛》，實在是很怪的片名，這是中國第六代導演孟京輝的電影處女作。孟京輝出身於劇場，在大陸頗負盛名，據說由他執導的話劇《戀愛的犀牛》曾連演40場，並且場場爆滿，創造出了票房奇蹟。這讓我想到台灣導演鴻鴻(閻鴻亞)與賴聲川，似乎從劇場出身轉為電影的導演們，作品都帶有一些相同的特色；在演員表現方面，看似即興的演出方式，其實是導演與演員之間想像力的釋放與重組；在影像特色上，構圖則完整精確，跟一般電影相比，又多出了很多荒誕誇張的奇想。是的，《像鷄毛一樣飛》也不例外。



《像鷄毛一樣飛》是部實驗性特強的電影，中國出品更顯難得。故事講述一個落魄詩人，去北京投靠過去詩社的好朋友，而這個朋友早已不寫詩，利用商業頭腦，成為一個賣黑雞蛋的大商人；另一個女主角(秦海璐)則是在旅館內上班，一心想成為空姐，但卻因為只能看見黑白世界(色盲)而無法如願，故事大綱環繞在三人身上，藉由旁白與許多突發事件，呈現主角內心的不安與茫然。片中有很多有趣的象徵，其中利用黑雞蛋與白雞蛋的營養成分來代表商業利益(黑>白)，但在片末所有的黑雞卻都得了瘟疫，只能一死，用此來反諷資本主義，又帶些許的政治意味存在，實在是一絕。



《像鷄毛一樣飛》是部非常有趣的電影，從孟京輝的身上我們不難發現，大陸電影已經從寫實慢慢轉為一種新的風格，從第五代到第六代，很明顯的有區隔，新一代導演多尋求形式與故事性上的突破，而第五代則還是擅長描寫小人物的寫實生活，但不論哪一代大家都很有默契的會打造出好似義大利新寫實主義般的結局、繪畫的留白，往後會是怎麼樣？還是留給觀眾自己想像，也許這樣，電影才會顯的特別美！



至於到底什麼是《像鷄毛一樣飛》，你問我，我也不知道。

雞毛，在天上飛呀飛呀，萬般皆空吧！





雞與鷄...



(此文寫於2003年8月23日)

《天上的戀人》：無言的愛情

大陸導演蔣欽民改編小說「沒有語言的生活」，拍成了《天上的戀人》。故事發生在廣西一個鄉下小農村，偏遠自然，樸實可愛，夾雜三個極帶戲劇張力的角色，瞎子、聾子與啞子，又讓人看似淒美愛情故事的片名，很難讓人不對此片產生好奇與期待，這也是我觀看此片前，內心抱有的預設想像。



《天上的戀人》的故事核心是三個青年男女之間的感情糾葛，但不平凡的是，其中有兩個主角是有溝通障礙的人(聾子與啞子)。通常的第一印象，瞎子、聾子與啞子在表達能力上全有障礙，應該怎麼去溝通，實為一個大問題；但反方面思考，瞎子(父)、聾子(子、男)與啞子(女)的互動關係極為巧妙，說與聽、看與寫，缺一則不可，用此建構起家庭的概念，而隨著影片進行，當男女曖昧之情昇華為愛情之後，啞子教聾子寫字，建立溝通的管道，成為兩人世界，也是此片很細膩、一個非常有意思的地方。



《天上的戀人》充滿詩意，拍出了一種虛無飄渺，與世無爭的農村特色，非常非常的美，當我看前段時，一直想到瑞典導演柯林勞堤所拍的《陽光燦爛的女人》(Under the Sun)，這兩部電影所用的色調，以及營造出來的感覺，實在太相似了。除此之外，帶有吉祥圖案的牛以及岩壁上的歡娛圖，隱約傳達出中國文化的神秘魅力。曖昧不明的三角關係，含蓄的愛意表達，處處可見導演用心企圖打造出心中理想化的中國淳樸農村。影像、步調、構圖皆非常棒，但劇情內容到了最後，另一女主角誇張的突兀結局，留給觀眾盡是驚嘆與失望，前半段故事一流，但後半段卻好像不知如何收尾的感覺。而最後當然是有情人終成眷屬(聾子與啞子)，無言的愛情也許更加美麗，一切盡在不言中。



此片獲得2002年東京影展最佳藝術貢獻獎，被日本觀眾譽為最美麗的愛情故事，但參加東京影展時，此片仍未在內地上映，反映出電影工業制度的問題，跟台灣一樣，本地觀眾皆無緣率先欣賞，必須透過影展得獎來獲得肯定，但畢竟觀眾才是電影的主導者，此種現象實為一種文化上悲哀，必須盡可能的改善才行。



(此文寫於2003年8月30日)

《狂琴難了》：三男一女的愛恨情仇

一首帶有神秘淒美的歌曲(Gloomy Sunday)，一段愛恨交織的大時代故事，共同編織了此片《狂琴難了》。


當三個男人同時愛上一個女人會是怎麼樣的？會是你爭我奪的暗鬥？還是寧願摸摸鼻子默默退出，《狂琴難了》講的就是三男一女的故事。



「有半個妳總比沒有妳好」，兩個男人因為愛而寧願共同擁有一個女人，一個給她愛情，一個給她麵包；而另一個男人求歡不成，一走遠之，回到家鄉德國打拼去了。經過了幾年時間的變化，四位主角又在同一地點相遇上，但此時的相處模式並非往昔，隨著希特勒的征討，主角彼此間的感情(友誼、愛情)也都變了質，究竟故事的發展會發生什麼樣的衝突與變化.......



原本因為愛意而寫出的曲子卻意外的使人哀傷過度而自殺，而這首曲正是此片最大賣點，也是廣告宣傳的最大利器。若要將這首曲當作是電影的主角，我個人是不認同的，而對於人性愛慾情狂、妒忌貪念的描寫，則是非常令人印象深刻，我認為這才是故事的主角。相對的，這樣糾葛的愛情故事，兩男共侍一女，不僅在電影中沒有足以說服人的表現，在道德面來講，也令人更加匪夷所思。不過故事很成功與音樂結合，幾幕搭配主題曲的地點、背景、時間也都拿捏的恰到好處。



電影的步調非常順暢，劇情衝突性也強，在於時代背景、服裝視覺都很令人感到舒服，對於歷史部分也有相當的考究，演員的表現也屬一流，片中主角搭上死亡火車那臉絕望失落又慌張的表情，德國主角從一開始到後來個性的轉換，鋼琴師的佔有慾，女主角大膽的犧牲裸露，搭配頗受爭議注目的主題曲，都為本片增色不少。



(此文寫於2003年2月11日)

《一一》：簡單的可愛

要形容出《一一》帶給我的感覺，實在是太困難了，一方面是此片獲獎無數的無形壓力，另一方面則是一種心靈上的震撼。



《一一》描寫著生活，利用家庭為主體，娓娓道出每個人的生活經歷，敘事線極複雜，故事中的主角們，各代表著生命中的每階段，從小孩的天真、學生的純情、年邁生命的脆弱到對成人功利社會的描寫，不僅直接，而是寫實與深刻。多條的敘事發展並不使得此片沉悶難懂，反而有條有理、完整清楚，這是非常非常難得的地方。在講述時代背景不同的愛情故事時，也利用回想與進行的交互剪輯方式，彼此相互呼應，將情緒帶入最高點，以上皆可透露出導演高深的說故事功力。精準與恰好的時間掌握，使得故事的韻味發酵，影像的魅力將會令人驚覺時間的流逝是如此的快，那是一種絲絲入扣，讓你視線分秒都不肯從影螢幕中移開的觀感，就這樣整個人投入影像之中，彷彿一種神奇的轉換射線將人吸入螢幕，片中主角的舉手投足，牽引著激動的感官情緒，配合音樂與聲音的引導，電影的魔力可見一般。



我憶起片中主角吳念真的愛情際遇，他對著初戀情人說：「我從沒愛過另外一個人。」已婚生子的他說出此話讓我驚訝萬分，仔細想想，社會壓力與各種際遇或許是無法跟最愛的人牽手共創未來的主因之一。如果沒有很愛很愛一個人，那跟他在一起算不算是一種傷害？

除了愛情之外，夢想的追逐與真性情的被壓抑，也使得真實情感無處宣洩，如何做自己似乎成了社會上的一大難事，這是文化與時間所造成的一大憾事。



看完《一一》之後，幾乎生活的每一天，我都會想到片中的劇情，而且是不自覺、無時無刻的。一個從生活片刻衍生出的再簡單不過劇情，居然可以如此動人美麗，單純卻烘托出人類的複雜性。這可以說是楊德昌對生命的強烈觀察，換而言之，更可以說是我們對生命太多的疏忽，遺忘了生活週遭所隱藏種種可能的共鳴，藏匿了過去曾經觸動心靈的激情，忽略了事物本質的探討；表象、偽善的充斥，成就如此動盪的社會。我們必須捫心自問，忙碌或是虛無的生活帶給了我們什麼，我們又從生活中遺漏了什麼，生活中發生的種種，你都可以在《一一》裡看到，因為《一一》是一部真正屬於你的電影，足以喚醒你沉睡以久的記憶與遺落的激情。



這是我內心懇切的話：

「看過《一一》之後，那種對生命的感觸將會在你記憶裡永永遠遠，無法抹滅。」



(此文寫於2003年9月27日)

《末路狂花》：走出自己的路

大導演雷得利史考特(Ridly Scoot)1991年的作品，此片兩位女主角蘇珊莎蘭登(Susan Sarandon)及吉娜戴維斯(Geena Davis)雙雙入圍奧斯卡最佳女主角，除此之外並獲得奧斯卡最佳原著劇本及最佳原著故事。



「末路狂花」是一部經典的公路電影，同時也是探究女性主義必看的電影之一，而公路電影大都包含追尋及成長。



露易絲是一位女侍，勇敢而獨立、泰瑪則是家庭主婦，一直都活在丈夫宰制的大男人主義裡。兩位女主角希望藉著一起出遊逃離生活上所遭受的壓力，兩人在感情方面可說是極大的對比。在出遊的過程中進入了一家PUB，泰瑪也因為想要徹底的忘記壓力，喝了太多酒，差點慘遭PUB裡的男人強暴，最後在露易絲的憤怒下，開槍打死那個人，兩人畏懼，

因而走上逃亡之旅，泰瑪還是不忘給丈夫打電話，象徵性的描述出社會父權主義的氾濫，女性的不被重視。



露易絲打電話給男友請求幫忙，男友也願意盡心盡力幫忙，甚至不問發生了什麼事情，婚姻並非是愛情的保障，兩人達成共識才是真愛。途中認識了一個混混(布萊德彼特飾)，泰瑪毫無心防，跟他侃侃而談，最後和他共度春宵一晚，得到了精神與肉體上的解放，但是兩人身上用來逃亡的錢，也卻被他所偷走了，再窮途末路的時候，一向保守的泰瑪居然持槍搶劫，於是兩人皆被警方通緝，之後泰瑪還用槍指著攔下他們警察的頭，對性騷擾的卡車司機開槍，這和之前小女人的泰瑪相差甚多，和混混一起的那晚，成了作出這些瘋狂的事最大的轉戾點，他也說過此生只交過一個男友，就是現在極為大男人的老公，種種的被操縱及壓抑，成了泰瑪徹底解放的伏筆，最後兩人被幾十輛警車追逐，駛到了大峽谷，再也沒有路可往前 警方圍繞著他們，一隻隻槍管對著她們，然而他們卻不願回頭，寧可飛向浩瀚的大峽谷。



「公路電影」用來呈現電影主角們的心境轉換。兩位女主角的心路歷程，也隨著旅程改變。導演雷利史考特刻意將兩位女主角「跑路」的過程，配合不同的男人（警察、痞子、卡車司機……）的出現與場景（城市、鄉村、峽谷……）的轉換，讓主角自覺經歷一切之後，對男性發出怒吼。也許這樣的人物設定與電影結局都太過悲觀，但「末路狂花」卻也點出父權主義建構下的女性世界，片末象徵社會主流強大的父權主義逼使著他們，他們卻也不想回頭，勇敢的抉擇出自己希望的方向 。



(此文寫於2002年8月12日)

《十七歲的單車》：在單車背後，你看見了什麼？

小貴騎著車，用力的記下每一筆送貨的紀錄，隨著每一個「正」字畫上，

自己那簡單、樸實的心願也就好像也快隨之達成，就在此時，謀生的工具「單車」卻不翼而飛........



小堅騎著車，和哥兒們一起玩車、嘻鬧，和心儀的女生一起上下學，滿足、快樂全都洋溢在小堅的臉上，單車彷彿是小堅夢的來源，就在此時，小貴找上門來了.......



「單車」巧妙的串連了兩個有極大個性落差的17歲男孩，兩人的性格在螢幕前表露無遺，小貴似乎有著所有電影中小人物般堅毅執著的強烈草根性，在奪回單車的每一幕，打不還手、罵不還口，一直堅稱著「這是我的單車」，在看到心儀的女孩，也擔心自己身分，只能在遠方注視，一直自我的過分壓抑，而這一切，在片末拿起石頭砸人的那一刻，也代表著所有情感的釋放。



小堅似乎代表著現在社會中的普遍發生的現象，極力想突破現狀，但卻又無能為力，只好不擇手段，自己想辦法滿足自己所需要的那份虛榮，就好像串場的周迅也是一樣........



小貴騎著單車快速的在北京穿梭，看見了大路上高貴的飯店，也看見了貧窮的小巷村莊，嚴重的貧富不均，在小貴誤闖三溫暖的時候，經理也講「你看他像是有錢的人嗎？」我印象最深刻的一段是小貴在找車的那一段，北京的單車數量跟台北高雄機車數量相比，可以說是有過之而無不及，導演用長鏡頭拍，小貴一輛一輛的找，把那種無奈焦急與失落感通通表現在畫面裡，在看這一段時，我心中實感心酸。



片末的巷子追逐戰，速度感與刺激感直上心頭，使人隨之擔心，被追趕的兩人，一人用跑的，一人騎車，繞呀繞呀，最後兩人逃到同一地方，而且無法逃出流氓的手掌心，這也代表小人物著對於自身命運的認同，不過隨著最後代表宣洩所有情感的石頭一砸，小貴又扛著單車走在大路上，整個命運也象徵著燃起了希望與不服輸的精神。



片中提到許多與張藝謀相關的東西，而小貴也正好與快遞公司經理所形容的「秋菊打官司」一片相同，同樣是小人物的執著，可見王小帥導演對於張藝謀可能有某方面的欣賞或是偏愛。



(此文寫於2003年2月3日)

《黑暗之光》：照亮生命的曙光

這部片不論在國內，國外都獲得了一堆大獎，得了不少的肯定這真是值得國內電影界高興的一件事，雖然這麼說，但是國片票房實在不佳，就算有好的作品也不會有很多人去欣賞，更何況國片目前已經都走向所謂的「藝術片」，注重意識形態，這樣形態的電影本來就不是商業的主流，總不能要求觀眾太多。



「黑暗之光」在我的觀點看來，算是遊走於寫實與意識之間，導演張作驥細膩的刻劃一群在社會中不被重視的人，使之成為故事的主軸，這樣的用意很明顯 就是要喚起對弱勢人群團體的重視，喚起大家對社會的希望，父親在一場車禍後意外失明，母親則因此喪生，父親再娶，和同樣是盲人的繼母開了家盲人按摩院，女主角康宜就是身陷這樣一個環境，而她弟弟阿基是一個弱智，在吃飯的時候，康宜都必須幫忙夾菜， 這幕讓我想起了另一部電影，《走出寂靜》，帶給觀眾的感覺是一樣的， 讓人不禁懷疑為什麼有些人必須受到造物者這樣的折磨，也讓人更珍惜自己所擁有的一切。



這部片不只是對盲胞的描寫，也反映出了中下階層的的生活情景及男女之間的情愛，尤其是當康宜fall in love，沉浸在愛情裡所做出的動作，真是令人印象深刻，完全表達出了幸福的感覺，一開始我還認為康宜和整部片中的演員格格不入，他是一個團體，其他人是一個團體，演到後來才發現這樣是有用意的 一個到外地去，唸書的少女，在心態上當然會不一樣，當然會想跳脫出她原本所屬較低的階層，表現出來的當然也就和其他人不一樣，而另一位少年阿平也具有著和她一樣的氣質，很順理成章的他們倆就變成了一個團體啦！另外，對於阿基的演技也非常激賞，應該不能說是演技，因為他只是把「他」自己演出來，本身就是一個弱智者，心裡想說些什麼就說，康宜令他很難過他也不會隱藏，很真實的表達出他的感覺，我看到這裡不禁會心的一笑，生活裡又有多少人能將自己的感覺或想法，毫不保留的表達出來 ..........



看到一半時，又是康宜在吵架，又是電話的事情，突然我才想到有許多鏡頭， 其實之前早已出現過了，導演利用回溯手法，讓人回想起之前片中的情形，對之前的發生的一切，有更深的體會，感觸.......



一切的不幸都發生在這個暑假，父親因病去世，男朋友也因為幫派械鬥死亡，一切都那麼的沉悶、悲傷。正當康宜望著窗外看到河港與煙花，思念著死去的人，吃飯的時間到了，原本以為影片會在這樣一個氣氛下結束，沒想到父親和阿平居然回來了，在少女的想像中完結了，從死疾變成熱鬧，一家開開心心的吃飯........



我想這就是黑暗之光真正所要表達的吧!!在黑暗中點燃心中希望的蠟燭，照亮生命的曙光...



(此文寫於2002年8月12日)

《記憶拼圖》：虛幻與真實？

一個無法創造新的記憶的人，看過即忘 無法看劇情長片，無法認識新朋友，在原先記憶裡的仇恨對這樣的人似乎也不是時間可以沖淡的，一心一意找尋殺妻的兇手，而所仰賴的不是記憶，而是身旁時時提醒自己的照片，刺青和便條紙，報仇的意志也掩蓋住了主角生活的目的，陷入無限的迴圈當中........一次又一次，永永遠遠找不到兇手。



記憶拼圖在手法及劇本上都有很大的創新，入圍了奧斯卡最佳原著劇本以及最佳剪接，倒因為果，採用「切割倒敘法」，隨著劇情高低起伏，抽絲剝繭，成就有因必有果的定理，到了最後，卻發現結束也未必是結果，虛虛實實，假假真真，陷入了謊言與真實的矛盾裡，有著跟「鬥陣俱樂部」一樣令人搞不清楚事實的情境，也呈現出懸疑驚悚片，產生與導演劇本鬥智， 積極想要找出元兇的心理。



此片需要集中精神觀賞，也需運轉頭腦 積極思考，對於主角症狀，好氣又帶點好笑，看著主角一直被人利用弱點，蠻令人憂心的，不過對於元兇，似乎見仁見智，思考著此症狀的同時，你會發現結局也不是那麼重要了.....



(此文寫於2002年7月14日)

《藍色大門》：青澀的高中時代

「我看不見，我看不見，這是影片一開始黑暗畫面的獨白，接著畫面移轉到兩個高中女生，兩人正閉上眼，想像著自己的未來，從一開始便可看出，這樣的一部青春電影並不同於時尚的帥哥美女偶像劇，這是一段青春的故事，對於六、七年級朋友來講，你的生命中可能會和藍色大門產生共鳴，但若是對有年紀一點的朋友 ，藍色大門裡的羞澀愛情故事到也是每個人共同經歷過的。



在徬徨懵懂的高中時期，叛逆與壓力共存，不過藍色大門似乎過度的夢化 ，少了一點對於升學壓力的描述，我記得片中的一句對白(大致上是這樣)：「你如果只擔心自己是不是處男，能不能保送大學，尿尿能不能一直線，你會很快樂」，的確，單純的想法是最能帶來幸福與快樂的，人往往隨著年紀的增長慾望，生活的複雜性也增加，快樂再也不那麼單純，歡笑聲聽起來，總多了一點虛無感.....



我試圖找出藍色與青春的關聯性，藍色代表著憂鬱與自由，高中時期的煩惱與對於未來的憧憬，每個時期的想法也不同，高中的時期，大家有著共同的目標。

大學時期呢？

我覺得易智言導演挑高中時期是一個很棒的做法，脫離了高中之後，似乎也進入了另一個未知的世界裡.....



看著男女主角騎著腳踏車在市區裡，下午的陽光透過行道樹，導演這幕拍的真是賞心悅目，看著他們輕鬆騎著腳踏車徜徉，我的心情也好開心，記得我看「舞動人生」時，看著Biily在大街上跑著，我也在想，我有多久沒有放開一切，輕輕鬆鬆的享受生活，像他一樣拋開別人目光與枷鎖，做著自己高興的事情，在大街跑阿，跳阿.....



藍色大門在台灣的票房很不錯，已經突破500萬了，雖然藝術性質比較不高，也沒有像其他國片一般勇奪世界大獎，但是藍色大門已經拋開了以往台灣新電影所遺留下來沉重的包袱，為台灣電影開了新的一扇窗，也許三年後，五年後，台灣電影正帶著笑容，站在藍色大門的前面.........




(此文寫於2003年1月2日)

《天橋不見了》：無法抵擋的顛覆

陳湘琪凝視著台北車站前地標作用的電視牆，一幕幕台灣人熟悉的廣告正輪番表演著，大量的聲音與影像強迫性的侵略所有人的腦子，路上的行人來來往往，然而在長達三、四分鐘的這鏡頭裡，故事強調的天橋沒有被明顯的提起，此景就好似那麼平常而熟悉，天橋不見了，天橋是躺在大家的心中，還是大家也只是視而不見，提也不提，突顯了都市裡的冷漠之情。



《天橋不見了》，象徵著一種習慣的消失，回台的兩人不約而同的尋找舊有的習慣，而當他們失去了以往的依附，出現是誇張而且略帶好笑的行為，原在天橋上賣錶的李康生，也因為失去天橋，使得生活必須產生轉變；除了天橋之外，停水這個問題也是在述說這個論點，沒了咖啡能喝什麼？正如同蔡明亮導演的創新突破，這一部22分鐘的短片，堅持不與其他短片一起播放，堅持顛覆所有人認為90分鐘才是電影的觀點，對於長久以來教育與舊文化造成的侷限，蔡明亮不論在影片本身或是行銷企劃上，都很企圖想要打破這個迷思。當在生活中出現了巨大的轉變，常去的咖啡廳消失了，時常依附的親人去世了，面對這些突如其來的衝擊，所會產生、面對的行為與態度會是什麼？是時時刻刻都在準備計劃即將面臨的事情，還是逆來順受、走一步算一步，《天橋不見了》是在挑戰我們的觀念！



蔡明亮一直在努力推展著他的作品，疏離的風格充滿在他的每一部作品，《你那邊幾點》全省超過70場的座談，《天橋不見了》打破舊的電影模式，不僅開發了新的觀眾群，也讓更多人知道了蔡明亮的電影，縱使你不喜歡他的電影，你也應該被他努力所打動，台灣電影正處低迷，這樣的行為應該值得被大家所肯定的。



(此文寫於2003年5月2日)

《沙河悲歌》：理想與現實的掙扎

看《沙河悲歌》時發現，片中的場景及美術設計實在講究，一切都是50年代風味。純樸的小鎮以及破舊的戲院，原本以為是部老片，看完以後才發現， 這居然是張志勇導演2000年的作品。



男主角文龍有個封閉的老爸，處處限制他的發展，使得文龍必須離開沙河鎮，朝著自己的理想前進，憑著自己對吹奏樂器及音樂的執著，進入了歌仔戲團當樂師，也因為社會的現實及身體狀況差，一步步遠離自己的理想，而再經歷了這一切之後，才驚覺自己要的是什麼.......



片中寫實的刻劃出時代背景及歌仔戲班的生活，將男主角與歌仔戲視為同一主體(男主角進入歌仔戲團)，男主角的理想被現實(疾病纏身)給擊敗，傳統戲曲的發展卻因為新興起的電影而不得不沒落，但是主角對於自我的堅持仍然沒有停過，雖然身染重病，還是不放棄吹奏樂器。樂器也從小喇叭換成薩克司風， 接著又換成黑管，剛好也和感情生活相呼應，歌仔戲團的團主碧霞，酒家女彩雲，歌仔戲團中的玉秀。



而主角尷尬的父子關係卻沒在父親死後而消失，父親的一部份遺留到了二兒子二郎的身上，從在河游泳(二郎就是不肯游)及最後一幕二郎因為文龍沒去參加畢業典禮而哭泣得知，二郎還是無法了解文龍，就如同他的父親一樣........



沙河悲歌中的配樂插曲令人印象深刻， 尤其是小喇叭搭配傳統戲曲，有耳目一新的感覺，跳脫出一般人印象中的歌仔戲，藉著歌仔戲表現出當代文化與流行。從現今看來，著實令人感觸多.........



(此文寫於2003年6月8日)

《社團回憶錄》：一個社長的自白書

一，經營



我必須承認，我把電影社經營的很糟糕，大概我企管學的很爛吧！不過我卻也為電影社的一種高格調感到滿意，也許是曲高和寡，所以社員一直不多。我記得放「猜火車」那次，來了好多人，是社團紀錄，一半是因為影片吸引力，另一半應該是廣告單成功，人來的好多，有一種「阿！電影社有救了」的感覺。



二，誰演的！



我記得常常我推薦一些電影給別人的時候，大家第一句話就是問「誰演的？」，每次我一聽到這句話，我就會很生氣，難道除了好萊塢大明星之外，你們的心理就沒有其他對於電影的印象嗎？回答「誰演的？」的人，只會讓我覺得膚淺，也許是因為對於電影的堅持才使得我這樣生氣，我只是希望，除了演員俊美外表之外，還能注意到電影的其他

部分。



三，別離



身為電影社的龍頭，要離開其實也是很捨不得，我非常喜歡各位社員，我知道大家對電影都有共同的熱情，我也希望利用活動將我所知道的能夠告訴大家，增加一點對電影的知識，不過我知道的也有限，所以才需要分享感想，讓每各看完影片的人能夠得到更多的東西，唉！我不知道該對社員說些什麼，我經營的這麼爛的情形之下，還能待的住，我應該跟你們說謝謝，至少讓我覺得在電影這條路上，我並不是孤單的。



四，期盼



社團要交棒了，不管以後的走向會是怎麼樣的，我期盼電影社能有一個作用，就是打開大家的心，能夠包容更多的事物，不再用世俗或是舊有的觀點來待，平等的看待所有人，也不要把自己侷限在小框框裡，多多接觸不一樣的東西，這也是我接觸電影所得到的一個最大的感想。謝你看完這篇文章，一起往人生方向努力吧！



(此文寫於2003年5月20日)

《社團回憶錄》：無怨與歡欣

一，失敗的第一次



《遊子》是社團第一次活動的賞析影片，來的人也不少，不幸的，礙於技術問題，使得影片無法看成，老師跟我說：「不要氣餒，這也是學習危機處理的機會」，其實我心裡對於自己蠻失望的，不知道是不是因為這樣，以後來社團的人都蠻少的，大概是被這次失敗的經驗給嚇到了吧！



二，掙扎期



《中央車站》、《新天堂樂園》這些我熟悉的影片，參與活動的人寥寥可數，在分享感想與介紹的時候，不免覺得無力，一直在想無人參與的原因，有時候，我會想想把好電影介紹給大家，是不是一種一廂情願的想法，電影社是不是也是因為我的自以為而設立的，失望加上無力，另外學校場地有時常有問題，辦起活動來，總是會擔心人數問題，我一度想要停止這個社團。



三，歡欣鼓舞



在電影社的所有活動裡，除了失敗的幾次經驗之外，有幾次成功的活動讓我印象非常深刻，一次是去成大聽「交工樂隊」的演唱會，雖然大多數一起去的人都不知道交工，不過音樂卻一樣的感動了他們，這一種力量，跟電影將彼此聚集在一起的力量，是相同的，我很高興因為我的提議，得到了好的迴響。



播《麥兜故事》的那天，不知道為什麼，社團來了很多人，當天我有事情必須先離開，不過在影片剛開始，看著大家歡笑，跟影片的互動極熱烈，心裡由然而生一種感動的情愫，就好像是《新天堂樂院》裡，老放映師說的；「看著看電影的人開心，自己也跟著開心」，好像自己是製造快樂的人，這種感覺實在非常棒！但願社團能夠長長久久，一直帶給大家歡樂、感動或是啟發。



(此文寫於2003年5月20日)

《社團回憶錄》：執著的夢

一，緣起



最近我一直在想，我當初到底是怎麼有動力來籌備成立這個社團？越想越覺得好笑，朋友笑我說，哪有大四了還在當社長的，呵呵！



《新天堂樂園》對我影響實在太深，也讓當時的我熱血沸騰，積極的想要在校內推廣電影文化，我心中一直有一個小小心願，「好的電影，就應該跟大家分享」，我覺得並沒有爛電影的存在，每部電影都有它獨特的迷人之處，也許只是觀眾不了解而已。在大家被媒體牽制的情形下，許多好的電影往往被忽略了，不是媒體給我們什麼，我們就一定要接受它，不管是電影、流行音樂、新聞等等，我們大都被侷限住了，一昧的盲從，失去了更多可以探知的資訊與開放的心，這點是我很早就體認的。



二，忙忙忙



當時後其實也號召了不少對電影有興趣的人，不過總是雷聲大雨點小，也許大家各自有事情要忙。籌備之初，我跟其他社團詢問成立的要件，也得謝謝他們的幫忙，行政流程實在麻煩，對於沒有社團經驗的我，其實也是一種訓練，後來我找了大約兩、三個與電影相關的老師來當社團的指導老師，正巧侯尊堯老師也是剛剛進入學校任教，被我騙了進來，在跟這些老師面談的時候，我也得到不少，這段時間我為了社團東奔西跑，苦雖苦，但甘之如飴，憑藉的是對於電影的熱愛。



三，大石落地



洽逢蔡明亮來義守宣傳《你那邊幾點》，在沒被告知的情形下，要我上台宣傳電影社，我緊張的闡述理念，也見識到了名導演的魅力，對於一個影迷而言，真是難忘的經驗！



BBS上連署了電影社版，蠻高興的，跟同好討論電影，有一種樂在其中的感覺。

在與社團幹部共同努力之下，大四學期初的某一天，被告知社團可以成立了，期待又興奮，就此展開我大學唯一的社團生涯。



(此文寫於2003年5月20日)